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30 de octubre de 2012

Bodas de Plata: George Michael - Faith (1987)

Aunque las fechas difieren según la fuente que consultemos en la red (algunos apuntan a que se publicó el 27 de octubre), la mayoría coincide en que el primer álbum en solitario de George Michael, "Faith", se publicó el 30 de octubre de 1987, es decir, hace hoy 25 años. 

Por supuesto, no podía dejar pasar la ocasión de reivindicar uno de los mejores trabajos (si no el mejor) de un artista que contribuyó a renovar el pop y el R&B a finales de los 80. 

"Faith" suponía el debut de George Michael tras la disolución de Wham! en 1986. Una trayectoria que estuvo plagada de éxitos como "Wake Me Up Before You Go-Go" o "Last Christmas", y que brindó al dúo una desmesurada popularidad en el Reino Unido, donde llegaron a vender cerca de 25 millones de discos. 

Michael decidió no escoger el camino más fácil, el del pop más ochentero y edulcorado que practicaba en Wham!, y se decidió a grabar un disco más serio y complejo. Quería romper con la imagen que se tenía de Wham! como grupo adolescente y se metió de lleno en la tarea. Por el camino, hubo una colaboración con una gran artista soul que influiría definitivamente en el rumbo que tomaría "Faith". Aretha Franklin llamó a Michael a principios de 1987 para pedirle que cantase con ella el dueto "I Knew You Were Waiting (For Me)". En cierto modo, parace que eso contribuyó al tono soul y R&B que tomaría el álbum.

El disco comienza con la canción que da título, "Faith", y en la que Michael se autoreferencia. Empieza sonando un órgano de iglesia que interpreta el estribillo de "Freedom", de Wham!, para romper con los míticos acordes de la guitarra del artista y su voz, susurrada y canalla, cantando: Supongo que estaría bien/ si pudiese tocar tu cuerpo/ sé que no todo el mundo/ tiene un cuerpo como el tuyo... Es inevitable, además, recordar la imagen del artista entonces a través de esa canción. Cazadora de cuero, gafas de aviador, pendiente y barba de dos días eran la nueva imagen de un George Michael que quería sacarse de encima la imagen tierna y adolescente que se había forjado en Wham!

Por supuesto, el tema que despertó mayor controversia en su momento fue "I Want Your Sex". Dividido en dos partes en el disco (la tercera parte fue incluida en el 12" de "Faith" y en las posteriores ediciones del álbum), aunque en la misma pista, "I Want Your Sex" hablaba de un chico que no podía esperar más a tener relaciones sexuales con su pareja, y trataba de romper con un tema todavía tabú entonces en la música pop. El videoclip, como era de esperar, sembró la discordia con imágenes quizás de alto contenido erótico para la época (ahora no escandalizarían a nadie), en las que el artista salía con su entonces pareja, Kathy Jeung.

Pero además de con el soul y el R&B, George Michael se atrevió con la electrónica ya entonces con hits de lo más bailable como "Monkey" (otro de sus números uno) o "Hard Day".
No podemos olvidarnos tampoco del R&B sensual y paternalista a la vez de "Father Figure", con esos fantásticos coros gospel, de la sensualidad de "Hand to Mouth", de un baladón bigger-than-life como "One More Try" o de su paso por el jazz en "Kissing a Fool".

"Faith" no sólo ha resistido el paso de los años, es más, ha mejorado con el paso del tiempo. "One More Try", "Father Figure" o "Kissing a Fool" se descubren como clásicos imperecederos de un artista poco prolífico (apenas cuatro discos de estudio en 25 años y uno de versiones) que ha conocido días mejores, pero cuyo legado en la historia de la música es innegable.

Quizás en 2013 nos llegue un nuevo disco (sería el primero en 9 años ya) del artista, pero lo que es seguro es que no muchos nos han dejado discos tan sólidos como "Faith". 


23 de octubre de 2012

Depeche Mode anuncian disco y gira en 2013

El 23 de octubre era la fecha señalada en la que Depeche Mode darían una rueda de prensa en París (retransmitida online a todo el mundo), y ese día ha llegado. 
Hace unas horas se acababa la cuenta atrás y podíamos ver un vídeo con imágenes de la grabación del que será su decimotercer álbum de estudio, acompañado de la primera canción que hemos podido escuchar de este nuevo trabajo. No han desvelado el título que llevará el disco ni el de la canción, aunque ya circula por la red como "Angel of Love".
Probablemente se publicará en la primavera de 2013, poco antes de que arranque su gira internacional el 7 de mayo en Tel Aviv (Israel). Aunque han reconocido que volverán a España para actuar fuera del circuito festivalero, de momento el BBK Live se ha llevado el gato al agua. Allí actuarán el 11 de julio, dos días antes que en el festival luso Optimus Alive.

Habrá que esperar para escuchar este nuevo trabajo y para verles en directo, pero la carrera festivalera de 2013 parece que ya ha comenzado. ¿Quién da más?

20 de octubre de 2012

Vetusta Morla entonan su canción de vuelta

Tras despedirse del público gallego esta semana con sendos exitosos conciertos en Vigo y en Santiago de Compostela, Vetusta Morla vuelven a Madrid para poner el colofón a una gira que en un año y medio les ha llevado por toda España, América e Inglaterra presentando "Mapas", su último trabajo.

No será un concierto más. Para despedirse del público madrileño (por el momento) han decidido repetir experiencia con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia, con la que dieron dos conciertos benéficos en Lorca a beneficio del Conservatorio Narciso Yepes, seriamente dañado en el terremoto sucedido en mayo de 2011. 

Iban a celebrarse solamente dos pases el día 27 de octubre en el Teatro Circo Price, pero ante la demanda de entradas, que se agotaron en apenas dos días, la banda madrileña ha decidido sumar otros dos pases el día 28, para poder complacer a todos sus seguidores y brindarles la oportunidad de ver este atípico formato.

Habrá una parte acústica, una eléctrica y otra sinfónica en cada concierto, que reflejarán toda la evolución del grupo y las distintas posibilidades sonoras de sus canciones.

Una oportunidad única de ver otra cara de los madrileños y una despedida que les sirve a ellos para cerrar otro emocionante capítulo en la historia de Vetusta Morla y tomarse un merecido descanso antes de ir a por el tercer álbum.

Las entradas para el día 28 están a la venta en entradas.com.

19 de octubre de 2012

Bodas de plata: INXS - Kick (1987)

En un mundo cada vez más virtual, más digital y en el que las novedades discográficas tienen fecha de caducidad casi inmediata, tenía que buscar una excusa para recordar el pasado de vez en cuando. Para ello surge Bodas de Plata, una sección que pretende celebrar aquellos discos que han cumplido, este 2012, los nada despreciables 25 años.

Esta primera entrega se ocupa de un álbum que, hoy mismo, cumple un cuarto de siglo desde su lanzamiento: "Kick", de INXS. Aunque las cifras no son definitivas, se calcula que desde 1987 se han vendido más de 10 millones de copias del disco. Aún así, el álbum más vendido y, probablemente, también el más completo de la banda australiana no ha ocupado el lugar que le corresponde en la música pese a haber influenciado las canciones de cientos de grupos durante las últimas décadas.

Tras el éxito internacional que obtuvieron con su anterior trabajo, "Listen Like Thieves" (1985), y una intensa gira internacional que incluyó telonear a Queen en su mítico concierto en el estadio de Wembley en 1986, los australianos sabían que su sexto disco tenía que ser mejor. En palabras del propio grupo, "todas las canciones tenían que ser posibles singles". En cierta medida, eso es lo que lograron.

No era fácil hacerse un hueco entre los grandes. Ahí estaban ya Queen, U2 (que acababan de publicar "The Joshua Tree") o Depeche Mode, que ya estaban dando conciertos para un público masivo y que sacaron también ese año "Music for the Masses". Costaba colarse entre ese selecto grupo cuando los canales no eran los actuales y todo se reducía a los medios televisivos o la prensa, y en la que nunca había que menospreciar el factor del boca a oreja, que conseguía seguidores más fieles y más dispuestos a comprar entradas, discos y merchandising del grupo. Había que ofrecer algo diferente al público y salirse de la norma, e INXS lo sabían. "Kick" iba a ser un disco distinto.

Lo curioso fue que a su discográfica "Kick" les pareció incluso "demasiado distinto". Tanto es así, que el presidente de Atlantic Records llegó a ofrecerles 1 millón de dólares (pensad en la época) para que volviesen a Australia y grabasen un disco completamente nuevo. Pero las preocupaciones del sello eran infundadas y "Kick" entró directamente al número 1 en Australia y al número 3 en el Billboard norteamericano. 


El éxito fue propiciado por un primer single que se convirtió en un clásico del grupo y a día de hoy sigue sonando actual. Con un riff de guitarra que algunos definieron a medio camino entre Prince y Keith Richards, "Need You Tonight" fue el espaldarazo definitivo para la banda, y elevó a Michael Hutchence a la categoría de mito erótico gracias no sólo a su videoclip, sino también a la sensual letra del tema: Te necesito esta noche/ porque no estoy durmiendo/ chica, hay algo sobre ti/ que me hace sudar... En la misma línea que "Need You Tonight", aunque más rockera, tendríamos a "New Sensation", tan atemporal y mítica como la anteriormente mencionada. Entre ellas situaríamos "Devil Inside", una mezcla de rock con las susurradas letras de Hutchence y mención aparte merecería "Mediate", una extraña canción en la que el cantante rapea rimando todas las frases en "ate".

Pero hubo otras canciones en "Kick" que contribuyeron a que INXS se convirtiesen en una de las bandas más populares del mundo en aquel momento. "Never Tear Us Apart" era un baladón de esos bigger than life (con solo de saxo incluido) sobre un amor incondicional que competía en sus días con el "With or Without You" de U2. A día de hoy sigue conservando intacta su capacidad de emocionar, del mismo modo que "Mystify" no ha perdido un ápice de su frescura y mantiene toda su fuerza. 

Con todo, y aunque la fuerza de todas estas canciones hace palidecer a las que completan el álbum, "Kick", "Wildlife" o "Calling All Nations", también son buenas canciones a tener en cuenta, pese a que no lleguen a la grandeza de los clásicos del grupo y quizás hayan envejecido un poco peor que el resto.

Este mismo año, con motivo del 25 aniversario, "Kick" ha sido reeditado en un doble cd que incluye el disco original remasterizado y otro con canciones en directo, demos y versiones alternativas de algunos temas. En él podemos comprobar la entusiasta reacción del público cuando comienza a sonar "Never Tear Us Apart" y lo bien que sonaba la banda con Hutchence al frente. 

Mi recomendación, así pues, es que escuchéis "Kick". Si no habéis escuchado nunca a INXS, apuesto a que os sorprenderá. Y un deseo: que las buenas canciones nunca caigan en el olvido.


18 de octubre de 2012

Oh Land pone letra a Chopin en el nuevo disco de Lang Lang

La danesa Oh Land no para. Ya está trabajando en su tercer disco, que tendrá entre sus colaboradores a gente como Tricky, y sigue de gira (aunque ha tenido que posponer sus próximas fechas debido a una lesión en su espalda). Aún así, la bellísima artista ha sacado tiempo para colaborar con el famoso pianista Lang Lang.

"The Chopin Album" es el nuevo trabajo de Lang Lang, dedicado al compositor polaco de música clásica. Oh Land ha sido invitada por el pianista chino para ponerle letra a "Tristesse", también conocida como "Étude Op. 10, No. 3". 

El resultado del encuentro entre estos dos geniales artistas resulta sorprendente y emocionante. Podemos escuchar parte de la canción en soundcloud:
Tristesse (Lang Lang feat. Oh Land) by Lang Lang

17 de octubre de 2012

Listas: El descanso del guerrero (10 videoclips para paliar la ausencia de los Foo Fighters)

El pasado 2 de octubre, Dave Grohl anunciaba a través de la web de Foo Fighters una noticia que nos sorprendió a todos. Con la banda viviendo uno de los momentos más dulces y exitosos de su carrera, los chicos han decidido separarse por el momento.
Aunque no parece que vaya a ser un adiós definitivo, Grohl se centrará ahora en el documental que está grabando sobre los Sound City Studios de L.A., donde se han grabado discos tan míticos como "Rumours", de Fleetwood Mac, o el propio "Nevermind", de Nirvana, y que echaron la llave en 2011.
Además de una gira internacional que fue todo un éxito y cinco premios Grammy, "Wasting Light" (2011), ha sido la culminación del gran álbum de hard rock que Grohl siempre había querido grabar. 
Nadie ha dicho que la separación vaya a ser definitiva, y de hecho Grohl define a los Foo Fighters no solo como a su banda, sino como a su familia. Han pasado ya 18 años desde que se formasen en Seattle tras la muerte de Kurt Cobain y la disolución de Nirvana. Siete álbumes de estudio que han dado para mucho y una trayectoria que queremos recordar a través de uno de los elementos más característicos de los Foo, sus geniales videoclips.

1. I'll Stick Around

Poco más de un año después de la muerte de Cobain, Dave Grohl aparecía junto a su nueva banda luciendo aún melena, pero esta vez no a la batería, sino a la guitarra y cantando. Las vestimentas del grupo también pretendían romper con la alargada sombra del grunge. Vestidos de blanco, y la mayoría de ellos con el pelo corto (Grohl era la excepción), "I'll Stick Around" sentaba las bases de lo que serían los Foo Fighters con una declaración bien clarita,  
I don't Owe You Anything que, según cuentan, hacía referencia a la constante batalla de Courtney Love por los royalties de las canciones de Nirvana.
La formación era entonces semejante a la actual, aunque el batería era William Goldsmith, miembro de Sunny Day Real Estate. 


2. Big Me

"Big Me" suponía el contrapunto de "I'll Stick Around", la parte más suave y acústica de los Fighters. Establecía, además, algo que sería muy característico en la carrera del grupo, el sentido del humor y lo mucho que les gustaba ser los actores de sus propios vídeos, sin importar los papeles que tuviesen que desempeñar. Como si fuese un anuncio de caramelos tipo Mentos, cada vez que alguien se toma un Footos, los problemas del día a día desaparecen.

 
3. Everlong

En 1997 llegó "The Colour and the Shape", la confirmación de que los Foo no eran algo pasajero y, para muchos (para mí también), uno de los mejores discos del grupo. Michel Gondry dirigió el alucinante y surrealista vídeo de "Everlong", sobre uno de los temas favoritos del director, el mundo de los sueños. Una especie de precursor de "Inception" con la imaginación desbordante de Gondry y el genial humor de los Fighters, que ya contaban con Taylor Hawkins a la batería, y que tuvo que encarnar a la chica de Grohl en este videoclip.
 

4. Learn to Fly

Con la colaboración de Jack Black y Kyle Gass (su colega en el grupo Tenacious D), aquí los Foo Fighters se multiplican interpretando multitud de papeles, desde azafatas a bebés, pasando por interpretarse a ellos mismos. Una especie de parodia en plan "Aterriza Como Puedas" en la que la tripulación sufre una hilarante intoxicación a base de café y otras sustancias, y la banda acaba teniendo que tomar el control de la situación.



5. Best of You


Aunque su anterior disco había sido un éxito de ventas, los Fighters no quedaron satisfechos con el resultado de "One By One" (2002), y decidieron lanzarse a publicar un doble álbum. "In Your Honor" (2005) incluyó colaboraciones de Josh Homme (Queens of the Stone Age) o John Paul Jones (Led Zeppelin). Con un vídeo en el que la banda interpretaba el tema con imágenes intercaladas y aparentemente aleatorias (el director, Mark Pellington, afirmó que se trataba de reflejar como convivir con el dolor en la vida), "Best of You" se convirtió en el gran hit del disco y uno de los clásicos imprescindibles del grupo.


6. The Pretender

Para su sexto trabajo de estudio, Dave Grohl decidió ilustrar el primer single como una llamada a la revolución. Reflejando la letra de la canción, la banda se enfrenta a una tropa de antidisturbios con su música. El vídeo no podía ser más apropiado: 
...¿Y si te digo que no soy como los demás?
¿Y si te digo que no soy otro de tus juegos?
Tú eres el aspirante
¿Y si te digo que nunca me rendiré? 

7. Long Road to Ruin

Parodiando un culebrón de hospital de los 70, los miembros del grupo interpretan a los actores que, a su vez, encarnan a los personajes principales de la serie. Así, Dave Grohl se convierte en Davy Grolton, que es en la serie el médico protagonista, y que acaba dando el salto al estrellato en el mundo del rock. Mucho cachondeo, de nuevo, por parte de los Foo en otro de sus destacados videoclips.


8. Wheels

En 2009, la discográfica de los Foo Fighters publicó un "grandes éxitos" de la banda. Grohl se mostró descontento con la selección de temas y dijo que hubiese preferido que el recopilatorio se editase cuando la banda se hubiera retirado. Pese a todo, el lado positivo fue que el grupo grabó dos nuevos temas, "Wheels" y "Word Forward", bajo la producción de Butch Vig, con quien Grohl no trabajaba desde el mítico "Nevermind" de Nirvana. El líder de los Foo quedó satisfecho con el trabajo e invitó a Vig a producir su siguiente trabajo, "Wasting Light" (2011), que sería todo un éxito.


9. White Limo

Rodado en VHS, el videoclip de "White Limo" muestra a Lemmy de Motörhead paseando una limousina blanca por toda la ciudad y recogiendo a los miembros de la banda. Uno de los temas más cañeros de la banda y en el que vuelve a aparecer, por primera vez desde 1997, Pat Smear, tras su reincorporación oficial (tocó con ellos durante la gira anterior, pero no participó en la grabación de ningún nuevo disco hasta "Wasting Lights"). El final del clip fue usado anteriormente en el vídeo de "Long Road to Ruin".


10. Walk

Rizando el rizo, los Fighters se atreven en esta ocasión con una parodia de "Un Día de Furia", aquella película protagonizada por Michael Douglas en la que un ciudadano común perdía los nervios durante un atasco de tráfico y se cabreaba de lo lindo con la sociedad en general (¿y quién no?). Aquí Dave Grohl se fija en las pegatinas de los vehículos con lemas como "Bieber es mi copiloto", "Gracias presidente Bush" o "Coldplay", girando la cabeza con gesto de desaprobación. Ni corto ni perezoso, Grohl se baja del coche y se dispone a caminar. Un paseo difícil y lleno de contratiempos que le llevará hasta el ensayo de la banda.

15 de octubre de 2012

Two Door Cinema Club estrenan videoclip de "Sun" (y mola tanto como ellos)

Nos han regalado uno de los mejores discos de este 2012 (al menos uno de mis favoritos) y siguen entregándonos vídeos geniales.
"Sun", una de las canciones más contagiosas de "Beacon", ha sido elegida como segundo single. Para ilustrarla, nada mejor que rodar el videoclip en la playa con un montón de gente cool que aparece y desaparece por arte del chroma, coreografías estupendas y colores que reflejan el joie de vivre que siempre nos transmite la música de Two Door Cinema Club.
El videoclip ha sido dirigido por Jul & Mat, un dúo francés que ya ha trabajado con grupos como Metronomy.

11 de octubre de 2012

IAMX consigue financiación para su nuevo disco en menos de una hora

Pues sí, amigos. Aunque todas las noticias que salen a la luz en nuestro país (o al menos la mayoría) suelen provocar rabia, lástima o, directamente, vergüenza ajena, sigue habiendo hueco para la esperanza en el mundo de la música.

Como muchos otros músicos, entre ellos Jero Romero o Standstill, Chris Corner (ex-miembro de Sneaker Pimps) ha decidido apostar por el crowdfunding a través de PledgeMusic para financiar su nuevo disco (el quinto de su proyecto IAMX). La sorpresa no ha sido el hecho de reunir la financiación mínima que requería el ambicioso proyecto (aunque no sé la cantidad exacta, Chris pedía financiación no sólo para la grabación de su nuevo disco, sino también para la promoción del mismo, la grabación de un documental en dvd y una gira por Norteamérica que sus fans llevan ya tiempo demandando), sino que lo ha conseguido en apenas una hora. 

El proyecto seguirá abierto a financiación durante 163 días, y de momento ya hay 1364 cofinanciadores y se ha conseguido un 423% del objetivo. Entre las recompensas, además de la descarga digital y las copias en cd o vinilo del nuevo disco, Corner ha incluido suculentas propuestas para sus fans, desde pósters enmarcados y firmados hasta instrumentos, pasando por la grabación exclusiva de un videoclip de tu banda rodado por Chris Corner (que ya dirige la mayoría de los videoclips de IAMX).

Tras haber conseguido el 100% de la financiación, el 5% de las cantidades donadas irá a parar a la fundación Richard Dawkins para la razón y la ciencia.

Una noticia maravillosa que vuelve a demostrar que el mundo de la música está cambiando y, cada vez más, los fans juegan un papel fundamental en este nuevo escenario. El artista y el público, ahora sí, caminan de la mano.

9 de octubre de 2012

"Keep It Together", el nuevo single de How To Destroy Angels

Hace unas semanas, Trent Reznor anunciaba la próxima publicación del segundo EP de How To Destroy Angels, la banda que tiene junto a su mujer, Mariqueen Maandig (quien canta tanto o más que su marido en el grupo), y a Atticus Ross, colaborador de NIN desde 2005 y parte responsable del Oscar recibido por Reznor y él gracias a la banda sonora de "The Social Network". El fotógrafo y director artístico del grupo es Rob Sheridan, considerado el cuarto miembro, y que lleva trabajando sobre el concepto visual de los NIN desde el año 2000, cuando fuera contratado por Reznor tras crear una web para los fans de la mencionada banda.

El 13 de noviembre verá la luz "An Omen EP_" (aquí podéis ver la portada), que será tan sólo un paso adelante hacia el primer LP de la banda, que Trent Reznor ha prometido que llegará en 2013.

8 de octubre de 2012

Two Door Cinema Club - Beacon (2012)

La que es, hoy por hoy, la banda de más éxito del indie-pop bailable, se enfrenta ahora a su segundo disco. En poco tiempo, Two Door Cinema Club se han convertido en un grupo imprescindible en toda fiesta que se precie. "Something Good Can Work" o "What You Know" son ya habituales de las pistas de baile más indies, y han hecho del grupo uno de los más cool del momento.

"Tourist History" (2010) era un debut redondo, lleno de canciones perfectamente bailables y ritmos guitarreros contagiosos que se convirtieron en marca de la casa. "Beacon" da un paso adelante en el sonido de la banda, pero sin perder su personalidad. El trío irlandés ha decidido incorporar más elementos electrónicos a su música, pero sin renunciar a sus melodías de siempre.

Lo bordan en canciones como "Handshake" (quizás mi preferida), "Settle" o "Sun", que no hacen sino confirmar que, tal y como hicieron Franz Ferdinand en su día, Two Door Cinema Club son los responsables de que las chicas vuelvan a la pista de baile y los chicos vuelvan a dejarse llevar por ellas. Siguen fieles al estilo marcado en su primer álbum, especialmente en "Next Year", "Someday" o "Sleep Alone". De poco hubiese servido repetir el esquema de "Tourist History" al dedillo, así que la evolución me parece muy acertada.

Con Two Door Cinema Club me sucede algo semejante que con la música de Friendly Fires: aunque sus debuts estuviesen plagados de hits, sus respectivos segundos trabajos funcionan mejor en conjunto. Donde algunos han querido ver la pérdida de la espontaneidad, otros vemos el inicio de su madurez musical. 

"Beacon" es un disco que nos hace mover los pies y que irradia el buen rollo del grupo por los cuatro costados. Se alejan de la inmediatez de las canciones de su primer disco y buscan crear temas más complejos pero igual de contagiosos ("Handshake", por ejemplo, es un temón de la vida). Que son unos maestros en el arte de crear canciones geniales que nos hacen bailar es algo que queda patente en temazos como "Sun" (añadir las trompetas fue una idea fantástica), que dan ganas de cantarla en medio de un desfile de carrozas con una marchin' band en plan "Todo en un Día". No podían faltar tampoco unos buenos "uoh-oh's" como los que nos incitan a corear en la épica recta final de "Sleep Alone", unos minutos para ponerse románticos sobre la pista de baile ("The World Is Watching") o una canción para botar y bailar como si no hubiese un mañana ("Settle").

Pero, por si todo esto no fuese suficiente para vosotros, todavía nos queda un último pase formado por "Spring", "Pyramid" (probablemente la más rockera del álbum) y la que da título al disco, "Beacon", que cierra el disco buscando dar un respiro al oyente, exhausto ya de tanto bailar, y con la promesa de volver a casa repetida como un mantra ...I'm comin' home...

"Beacon" es uno de esos discos que te hace feliz el día. Tan difícil y tan simple como eso.



4 de octubre de 2012

Lanzamientos muy esperados: Bat For Lashes - The Haunted Man (15 de octubre)

El próximo 15 de octubre llegará a las tiendas el esperado nuevo trabajo de Natasha Khan (Bat for Lashes). Alemania, Australia e Irlanda serán los privilegiados países en los que el disco saldrá a la venta 3 días antes, coincidiendo con el Día de la Hispanidad. 

Será el temido tercer álbum (lo de temido lo digo porque parece que el tercer disco es la gran prueba de fuego para un artista) de Bat for Lashes, y viene precedido por los singles "Laura", y "All Your Gold".

Pese a llevar "sólo" 6 años de carrera, Natasha ha sido hábil y ha establecido una dinámica de trabajo regular. Cada 3 años, disco y gira (como ya hacen grupos como Depeche Mode - en su caso cada 4 años -, Muse o Arcade Fire).  Esto permite que las canciones sean compuestas sin prisas y que la artista se tome su tiempo con cada nuevo álbum.

Con "Fur and Gold" (2006), llamó la atención de los medios musicales con canciones como "What's a Girl to Do" (y su magnífico videoclip) o "Prescilla", pero sin duda fue "Two Suns" (2009), su segundo trabajo, el que cautivó a crítica y público. "Two Suns" era una auténtica joya (para mí uno de los mejores discos de la pasada década y el mejor de su año con diferencia), una carta de amor a la música y su infinita belleza. "Daniel", "Moon and Moon", "Pearl's Dream" o "Glass" demostraban una sensibilidad única y una forma de entender la música difícil de encontrar en otros artistas de su generación.


La pregunta es, por tanto, obvia. ¿Es posible hacer un disco mejor que "Two Suns" o, al menos, igual de bueno? Tal vez esta pregunta sólo pueda responderla la propia Natasha. De momento la cosa no pinta mal. 

En 2010 la británica declaró que ya tenía canciones compuestas para un tercer disco, pero que le parecía muy aburrido escribir letras acerca de ir de gira y quería tomarse un tiempo para dar forma a este nuevo disco. El primer adelanto lo pudimos escuchar hace unos meses. "Laura" era una canción 100% Bat for Lashes, desprovista en este caso de ornamentos, sólo con la dulce voz de Natasha Khan y la música de su piano. El segundo single, "All Your Gold", lo pudimos escuchar hace unas semanas, y tampoco nos defraudó en absoluto. Pero además de ambos sencillos, pudimos escuchar también "Marilyn", que puede descargarse de forma gratuita a través de Amazon.

Tampoco nos ha dejado indiferente su portada, en la que la artista aparece desnuda cargando un hombre sobre sus hombros, fotografiada por Ryan McGinley. En blanco y negro, recuerda a la fotografía de Mapplethorpe, de la que Khan es gran admiradora.

Quedan poco más de 10 días para poder disfrutar de "The Haunted Man" y ya se me hace la boca agua. Ojalá nuestras altas expectativas se vean cumplidas.


"The Haunted Man" sale a la venta el próximo 15 de octubre.

3 de octubre de 2012

Music Way: Manic Street Preachers & The Courteeners, Recinto Ferial de Amio, Santiago de Compostela, 28-09-12

Un año después del Rock in the Way, y habiendo cambiado de nombre, de formato y de ubicación, el Music Way se celebraba en Santiago de Compostela el pasado fin de semana. 
Sé muy bien que actuaban más grupos, pero la mayoria de los que acudimos el viernes al festival teníamos un claro objetivo: los míticos Manic Street Preachers.
El Recinto Ferial de Amio, que suele acoger ferias de ganado y otras actividades de carácter ferial, fue adaptado para celebrar (creo que por primera vez) un evento musical. No hay quejas en ese aspecto. Sonó bastante bien (al menos estando centrados y de cara al escenario) y se agradecía estar a cubierto con el frío que hacía la noche del viernes. Quizás de cara al futuro el recinto sea una buena alternativa para acoger conciertos para unos cuantos miles de personas sin temer al frío o a la lluvia.  
Resultó ser todo un acierto llegar a tiempo para ver a The Courteeners. No les conocía en absoluto, pero los de Manchester supieron ganarse al respetable y hacernos entrar en calor antes del plato fuerte de la jornada. 
Con su directo pudimos comprobar por qué despertaron la admiración de Morrissey y ya parecen estrellas (por la manera de tocar, no porque vayan de chulos) sobre el escenario. Temazos tienen de sobra. Por poner sólo algunos ejemplos, "Not Nineteen Forever", "You Overdid It All" o "What Took You So Long" (que todos acabamos coreando) son canciones de las que acaban llenando estadios.

Los de Manchester demostraron tener todo lo que hace falta para estar entre los grandes. En el Reino Unido ya ocuparon los primeros puestos de las listas de ventas con sus dos trabajos, "St. Jude" (2008) y "Falcon" (2010), y ahora quieren conquistar el resto del mundo. Lo conseguirán. Estad atentos. Van a ser muy grandes.
Con puntualidad británica, los Manic Street Preachers hicieron su aparición en escena a eso de las 23:25. Pese a haber sido una de las bandas clave en la música británica de los 90, con grandísimos discos como "Everything Must Go" (1996) o "This Is My Truth Tell Me Yours" (1998), por citar sólo algunos, es una lástima que sigan sin ser tan valorados (incluso en su propio país) como otros de sus contemporáneos (The Stone Roses, por poner un ejemplo).
20 años han pasado ya desde su debut, "Generation Terrorists" (1992), y el grupo ha publicado 10 álbumes durante estas dos décadas (una impresionante media de un disco cada dos años). 

Desde el principio salieron dispuestos a ofrecer lo que el público quería oír: todos sus éxitos. Con el himno "Motorcycle Emptiness", extraído de su debut, la banda puso a los presentes a botar desde el primer momento. Una verdadera pena que se empeñasen en llenar el escenario de humo, impidiéndonos apreciar la puesta en escena del grupo y que apenas permitía ver el colorido vestuario del bajista Nicky Wire. 

Donde no podemos poner pegas es en la música. Cayeron un éxito tras otro, con especial protagonismo de los discos mencionados anteriormente, y que fueron alternando con temas más recientes como sus duetos con la cantante de The Cardigans ("Your Love Alone Is not Enough") o el vocalista de Echo & the Bunnymen ("Some Kind of Nothingness"). Hubo espacio además para otro de sus mejores trabajos de la pasada década, "Know Your Enemy" (2001), con canciones como "Found That Soul" u "Ocean Spray". Pero es innegable que sus verdaderos himnos, como "Everything Must Go" o el clásico "A Design for Life" fueron los que despertaron las mayores ovaciones. De hecho, esta última fue uno de los momentos cumbre del concierto, con todo el mundo coreando sus letras y viviendo un momento mágico de los que convierten un concierto en memorable.

El saber hacer de un grupo que lleva ya dos décadas sobre los escenarios, con un James Dean Bradfield pletórico al frente, Nicky Wire al bajo y Sean Moore a la batería, además de otros dos músicos en escena (a saber, Sean Read a los teclados y Wayne Murray a la guitarra y los coros), quedó plasmado en los noventa minutos que duró el concierto.

Algunas de las mejores canciones de "This Is My Truth Tell Me Yours", como "The Everlasting", "Ready for Drowning" o las esperadas y coreadas "You Stole the Sun From My Heart" y "Tsunami", compartieron protagonismo con una versión de la mítica canción de la serie "M.A.S.H.", "Suicide Is Painless", y viejos éxitos como "Motown Junk", la rabiosa "The Masses Against the Classes" o la muy coreada y un pelín narcisista "You Love Us".


Sin embargo, a todos nos faltaba la que sería la guinda del pastel y que puso el broche de oro al concierto. Los primeros acordes de "If You Tolerate This Your Children Will Be Next" estremecieron a los presentes y protagonizaron el clímax de la noche con miles de personas coreando uoh-oh al ritmo del tema mientras la banda se despedía.

Un concierto fantástico que se vio empañado por el humo (no sé por qué se empeñan en gasearnos en algunos conciertos) y por la tontería de los globos de promoción que algunos vivían como una verdadera competición (lo que dificultaba todavía más ver al grupo entre la espesa niebla). Además, de pronto la ley antitabaco dejó de tener sentido y el ambiente se hizo irrespirable por momentos.

Del festival no tengo una visión suficientemente amplia como para criticarlo. Creo que el cartel podría haber sido mejor (Heredeiros da Crus y Os Resentidos junto a The Hives no tiene mucha coherencia), pero poner a The Courteeners junto a los Manic Street Preachers sí fue un acierto.

El recinto también me pareció adecuado, además de que abre una nueva opción para conciertos grandes (y a cubierto) en Santiago de Compostela. 

No sé. Creo que lo mejor es valorar la parte positiva del festival (estoy seguro de que The Hives también molaron mucho) y con el tiempo ya irán mejorando los demás aspectos. El evento aún está casi naciendo y sólo por ver a los míticos Manic Street Preachers por primera vez en Galicia, ya ha valido la pena.

Más fotos del concierto en Facebook.

2 de octubre de 2012

Muse - The 2nd Law (2012)

Tú antes molabas. Con esta sencilla frase podría resumirse el sentir de muchos fans del trío británico tras escuchar "The 2nd Law", el esperadísimo sexto álbum de estudio del grupo.

Primero nos hicieron creer que "The 2nd Law" seguiría la línea de sus anteriores trabajos, al menos conceptualmente. A juzgar por el primer tráiler que pudimos ver del disco y lo poco que escuchamos de "Unsustainable" (su famoso coqueteo con el dubstep), no fuimos pocos los que creímos que el nuevo disco sería una nueva pesadilla orwelliana que llamaría la atención sobre la escasa (o nula) viabilidad del mundo en el que vivimos y reflejaría el malestar social que se vive a lo largo y ancho del planeta ("Uprising" podría haber sido el himno del 15-M). Pero todo aquello comenzó a esfumarse cuando escuchamos "Madness", esa que a todo el mundo le recuerda a George Michael (que quieras que no, algo sí que tiene con "Faith", ¿no?).

Y es que "The 2nd Law" promete mucho y, en cambio, da muy poco. Apenas hay rastro de los Muse de siempre, exceptuando "Supremacy", el brillante comienzo a medio camino entre el "Kashmir" de Led Zeppelin y el tema central de una película de Bond. Abriendo con una frase como Despierta para ver que tu verdadera emancipación es una fantasía..., "Supremacy" dejaba la puerta abierta (todavía) a la esperanza. Lástima que la desilusión llegue tan pronto con "Madness", un tema de reminiscencias jorgemiguelianas, como decía antes, y letras sonrojantes como ...es esto amor o es sólo una locura... (ay, dios, cuánto mal le ha hecho Kate Hudson). Se ponen en plan INXS con "Panic Station", y lo cierto es que no le dan mal al funky

Es entonces cuando llega el ya conocido himno olímpico con tintes de Queen, "Survival", y que acaba por evidenciar que "The 2nd Law" no es un álbum como tal, sino una colección de canciones. No hay coherencia ni en lo musical, ni en las letras, ni en un concepto alrededor del cual giren las canciones. Eso por no hablar de los temas "que sobran" y de los que hablaremos un poco más adelante.
Se atreven incluso con un tema para la pista de baile, "Follow Me", y lo cierto es que logran una de las mejores canciones del disco. Aquí si siguen sonando a Muse, con la épica llevada a la electrónica y emulando a Bono y The Edge en la recta final. En "Animals" el recuerdo de Radiohead es totalmente inevitable (suena como el disco de debut de los de Bellamy, "Showbiz"), mientras que a "Explorers" le sobra un poco de almíbar (cuando creías que lo habías oído todo, van Muse y meten campanas navideñas en una canción) y le falta fuerza. "Big Freeze", o Muse tratando de hacer su "Where the Streets Have No Name" particular (Jero dixit), pone el punto y aparte en un disco que debería haber terminado ahí si el trío aplicase la lógica a este álbum.

Pero aquí la lógica pinta poco o nada y nos quedan todavía cuatro canciones. Eso sí, Bellamy no vuelve a cantar en el resto del disco (exceptuando unos coros en "Unsustainable"). Primero llega la redención de Chris Wolstenholme que, superado su alcoholismo, ha escrito un par de canciones que además canta y que han acabado formando parte del disco. Ni "Save Me" ni "Liquid State" suenan a Muse, claro. Son temas que no suenan mal y que hubiesen encajado perfectamente como caras B de algún single, pero que aquí no pintan nada. Como tampoco pintan nada las dos instrumentales bajo el título "The 2nd Law", que sólo parecen estar ahí para justificar el título del disco.

Así que aquí estamos con Muse cayendo en la trampa más habitual de la inmediatez del mundo musical en nuestros días. ¿Por qué sacar un disco mediocre cuando podrían haber publicado un EP fabuloso?