Publicidad

29 de septiembre de 2011

Listas: Mis 10 discos favoritos de 2002

Me he demorado bastante desde la última entrega de "Los 100 discos de la década", lo sé, pero creo que la espera ha merecido la pena. Por el camino he podido echar una mirada al pasado y descubrir discos maravillosos, así como comprobar que algunas de mis preferencias no han resistido el paso del tiempo. En los próximos 10 discos haré un repaso al 2002, año decisivo para unos chicos de Londres llamados a estar en el olimpo de las estrellas del pop, Coldplay.

10. Sneaker Pimps - Bloodsport

"Bloodsport" fue el último disco que Chris Corner publicó junto a su anterior grupo, Sneaker Pimps. En él ya se intuían las maneras de lo que sería posteriormente IAMX, aunque más enfocado hacia el terreno del pop. Arranca con "Kiro TV", una canción sobre la autodestrucción de Kurt Cobain, que además incluye un sampleo de "Come As You Are", de Nirvana, y contiene algunas de las canciones más inspiradas del grupo como "Loretta Young Silks", "Small Town Witch" o la que da título al disco, "Bloodsport" (... my mother never told me/ that love is just a bloodsport...). Nunca gozaron de una gran popularidad, pero Corner sabía que sus canciones estaban destinadas a ser grandes.

9. Maga - Maga

Tomando su nombre de uno de los personajes de la novela "Rayuela", de Julio Cortázar, los sevillanos Maga debutaban en 2002 con este trabajo que suponía un soplo de aire fresco dentro de la música española. Sin título, también conocido como su álbum "blanco" (sus dos siguientes trabajos tampoco llevaron título), este disco nos dejaba un puñado de canciones maravillosas que son ya parte de la historia más reciente de la música de este país. La belleza atípica y mágica de canciones como "Piedraluna", "Dormido" o "Diecinueve" convivía con la inmediatez de un hit como "Agosto Esquimal". Uno de los mejores discos españoles de la pasada década.

8. Sigur Ros - ( )

Por si su música no resultase ya suficientemente enigmática de por sí (¿alguno de los presentes sabe islandés?), Sigur Ros van y se inventan un idioma nuevo, el "Hopelandic", en el que están cantadas todas las canciones del disco. Además, las canciones no llevan título (aunque luego los miembros del grupo se inventaron una porque si no no había quien se aclarase con el setlist) y el nombre del álbum no es muy expresivo que digamos. Sin embargo, la magia de los duendes islandeses vuelve a producirse y desde el primer momento, con esa primera canción también conocida como "Vaka" (nombre de la hija de uno de los miembros del grupo) nos ganan a todos. Probablemente sea uno de sus discos más inaccesibles del grupo y al que podemos buscar menos explicaciones. Aquí la belleza está en la grandeza de su música.

7. Johnny Cash - American IV: The Man Comes Around

Como un predicador apocalíptico, Johnny Cash comienza "The Man Comes Around" haciendo referencia a la vida y a la muerte con citas bíblicas en el último disco que publicó en vida. Cuando suena su versión del "Hurt" de Nine Inch Nails nos estremecemos al igual que lo hizo el propio Trent Reznor ante el homenaje que le rindió Cash. "The Man Comes Around" es, prácticamente, un disco de versiones (Cash sólo firma 3 de las 15 canciones que lo componen), pero es algo así como el testamento de una leyenda viva de la música. Un trabajo que suena a la despedida de un grande (como finalmente resultó ser, tras su muerte en 2003) que quiere contarnos su vida a través de las canciones que ha escuchado. Desde "In My Life", de The Beatles, hasta "Personal Jesus", de Depeche Mode, demostrando un gusto musical ecléctico basado en el único criterio de escoger grandes canciones.

6. Peter Gabriel - Up

En la última entrega de "Los 100 discos de la década", Jero me recomendaba un buen puñado de discos de cara a la elaboración de la lista del 2002. Entre ellos, unos cuantos ya presentes en mi cabeza, pero también otros de los que no tenía ni idea. A este último grupo pertenece "Up", de Peter Gabriel. Cuando escuché por primera vez el demoledor inicio, "Darkness" (algo en ella me recuerda a "Army of Me", de Björk), ya le estaba agradecido. Precisamente es esa sencillez con la que Gabriel es capaz de juntar lo más contudente y lo más intimista de su música la que hace grande este disco. Desde actualizar los sonidos que le dieron la fama y adaptarlos al siglo XXI ("Growing Up", "The Barry Williams Show") a conjugar su faceta más íntima y emocional ("I Grieve", "The Drop") pasando por una épica digna de la mejor banda sonora de Craig Armstrong ("Signal to Noise"). Comenzó a grabarlo en 1995 y estuvo casi terminado para 1998, pero Gabriel decidió darle una vuelta de tuerca y volvió al estudio en el año 2000 para completar las canciones, lo que le llevó un par de años más. El esfuerzo mereció la pena.

5. Bruce Springsteen - The Rising

No cabe duda de que los atentados del 11-S marcaron a toda una generación, también en lo musical, pero probablemente el mayor homenaje musical que se le rindió a New York y a los EEUU fue el que corrió a cargo del Boss. "The Rising" fue, ante todo, un canto a la esperanza, al resurgimiento emocional de una Norteamérica que vivía todavía atemorizada y entristecida por lo ocurrido. El optimismo y la energía de "The Rising", "Lonesome Day" o "Waitin' On a Sunny Day" no esconden la pena ni las emociones, que acaban estallando en el final de "My City of Ruins", con Springsteen llamando al levantamiento de todo el pueblo (y no lo digo en plan bélico aunque así fuese como finalmente sucedió). Otra de las recomendaciones de Jero, al que no puedo más que estarle agradecido.

4. Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf

El grupo liderado por Josh Homme y Nick Oliveri (este fue su último disco como uno de los Queens, dadas sus múltiples salidas de tono, entre ellas salir a tocar en el Rock in Rio en pelota picada) reclutó en 2001 a otra voz memorable, la de Mark Lanegan (Screaming Trees), que formó parte del grupo hasta 2005. A ellos se les unió Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana) a la batería, formando el "dream team" del rock. Concebido como un álbum de carretera, en el que de cuando en cuando oímos al locutor de radio y las interferencias del dial, "Songs for the Deaf" nos dejó algunas de las mejores canciones de rock de los últimos tiempos, entre ellas "Go with the Flow", "No One Knows" o "First It Giveth". Fue su mayor éxito de crítica y público. Llegaron a vender más de un millón de discos y obtuvieron 2 nominaciones a los premios Grammy.

3. Damien Rice - O

Cuando se estrenó la película "Closer" (2004), a todos se nos quedó grabada la secuencia inicial con Jude Law y Natalie Portman caminando entre la multitud mientras sonaba una canción enorme, "The Blower's Daughter". Formaba parte de "O", primer disco de este irlandés, y le dio un buen impulso a su carrera. Desde entonces sus canciones han sonado en innumerables bandas sonoras, y es que es casi imposible resistirse a canciones como "Volcano", "Canonball" (ambas con la colaboración de la preciosa voz de Lisa Hannigan) o "Cold Water", además de la anteriormente mencionada "The Blower's Daughter". Si además uno es paciente y aguarda al final del disco podrá encontrarse con la canción oculta "Prague", otra joya del irlandés. Sólo ha sacado otro disco desde entonces, "9" (2006), pero la belleza de sus canciones sigue haciendo mella en todos los que seguimos escuchándolas.

2. Doves - The Last Broadcast

No han recibido todavía el reconocimiento que merecen fuera de su querida Inglaterra, en donde este segundo trabajo de la banda entró directamente al número 1. Sus canciones aparecen rodeadas de un halo de magia y algunas están entre las composiciones de pop épico más bellas de los últimos tiempos. Himnos como "Words" (...cause here comes/something wonderful/ so don't let them/ throw it away...), "Pounding" (que se ha convertido casi en himno del Manchester City, donde la ponen antes de los partidos; y he de confesar que yo tampoco puedo vivir ya sin ella), "The Sulphur Man", "There Goes the Fear" o "Caught By the River" (pocas veces un disco acaba tan arriba que te dan ganas de volver a ponerlo de inmediato). Tienen la épica del rock de estadio, la clase del pop británico y conocen el camino que conduce a las verdaderas emociones.

1. Coldplay - A Rush of Blood to the Head

Cuando se habla del mejor disco de Coldplay, normalmente se cita "Parachutes" (2000), su debut. Sin embargo, "A Rush of Blood to the Head" quizás sea su trabajo más reposado y maduro, lleno de impresionantes canciones. Empezando por una demoledora y épica "Politik", siguiendo con "In My Place" (con claros ecos de "Yellow"), "God Put a Smile Upon Your Face", la emocionante balada "The Scientist" o la magia de "Clocks". Al otro lado, una segunda parte del disco más tranquila y menos orientada al rock de estadio, pero igualmente con grandes canciones como "Warning Sign" o "A Rush of Blood to the Head" (...I'm gonna buy a gun and start a war/ if you tell me something worth fighting for...). Fue el disco que les hizo llegar al lugar que ocupan ahora y, aunque nos cueste aceptarlo, sabemos que es poco probable que vuelvan a grabar un disco tan bueno.

28 de septiembre de 2011

Lacuna Coil ya tienen listo nuevo disco

Tras la tibia acogida de "Shallow Life" (2009), que prometía ser el salto definitivo al mainstream de la banda italiana, y sin embargo vendió menos de la mitad de copias que su anterior trabajo, "Karmacode" (2006), Lacuna Coil vuelven ahora con "Dark Adrenaline". Según su discográfica, Century Media (que sigue negándose a colgar su catálogo en Spotify tras comprobar cómo bajaban sus ventas), promete devolvernos los sonidos metálicos, melódicos y sensuales que hicieron famosa a la banda.
El primer single, "Trip the Darkness", ya se ha filtrado y se publicará digitalmente el próximo 17 de octubre. Por cómo suena, parece que este nuevo disco podría reconciliarnos con la música de los italianos, volviendo a su sonido contundente con Cristina Scabbia poniendo el contrapunto con su maravillosa voz. Sin embargo, "Dark Adrenaline" no se publicará hasta el 23 de enero de 2012, así que paciencia para todos sus seguidores. Este será el tracklist del disco:

1. Trip the Darkness
2. Against You
3. Kill the Light
4. Give Me Something More
5. Upsidedown
6. End of Time
7. I don't Believe in Tomorrow
8. Intoxicated
9. The Army Inside
10. Losing My Religion
11. Fire
12. My Spirit

Trip The Darkness - Lacuna Coil by mr_nobody

26 de septiembre de 2011

Lana del Rey, paradigma del marketing viral

El pasado viernes, a raíz de la aparición de una nueva canción de Oh Land, una de mis artistas favoritas de este año, surgían los nombres de una serie de musas afines, como son Bat for Lashes o Florence + the Machine. Un comentario ponía de manifiesto la ausencia entre estas musas del nombre de una artista llamada Lana del Rey.
No había escuchado a Lana del Rey. Había visto su nombre por ahí perdido en algún blog (supongo que sería jnsp), pero sin prestarle mucha atención. Por curiosidad decidí darle una oportunidad y me fui directo a YouTube (en Spotify todavía no hay rastro de ella, ya que su disco no se ha publicado aún). Lo primero que escuché fue "Video Games", una canción que me dejó bastante descolocado, sobre todo por su videoclip. Mientras en el vídeo se apela a todo tipo de grabaciones caseras, vídeos de skaters, rosas abriéndose o celebridades un poco perjudicadas, la canción podría encajar a la perfección con el tipo de baladas que suenan en series americanas del tipo "The OC" o "Anatomía de Grey", sin que esto pretenda ofender a sus seguidores, de hecho en ambas bandas sonoras han aparecido grupazos como Gomez, Snow Patrol, The Killers o The Walkmen (y estas dos últimas bandas incluso llegaron a actuar tocando en sendos episodios de "The OC").
Lana del Rey ha tenido la capacidad de buscar un nombre suficientemente exótico como para quedarse clavado en nuestra memoria (¿cuantos grupos, por ejemplo, conocéis que empiecen por Crystal?: Crystal Fighters, Crystal Castles, Crystal Stilts...) y con un apellido, "del Rey" que puede figurar en buena parte de los letreros de negocios con origen hispano de toda Norteamérica (de hecho, aprovecha bastante esta cualidad en sus vídeos). Y luego esta la imagen de la susodicha Lana. Si no fuese porque acabo de oírla cantar, su imagen no me resultaría muy distinta de la de una Barbie de extrarradio (no me puedo creer que acabe citando a Melendi) que sube al Facebook todas las fotos de su última borrachera, con esos labios siliconados y esa pose de "estoy buena y lo sé".
Para establecer una comparativa un poco más fiable, acudo a su otro videoclip, "Blue Jeans". De nuevo me encuentro con esa especie de "collage" visual en el vídeo ("found footage" sería también un término adecuado para definirlo), que empieza aludiendo directamente al formato Super 8. Sin embargo, en este caso Lana se presenta como una "femme fatale" en toda regla. En un primer momento, me pareció un personaje salido de la mente de David Lynch en "Mulholland Drive" y no sabía muy bien por qué. Viéndolo de nuevo ya lo entiendo. Tiene un toque muy a lo "Wicked Game" de Chris Isaak, que uno asocia inconscientemente con "Corazón Salvaje" y, por ende, con Lynch.
Y es que esto de las asociaciones inconscientes que busca provocar Lana del Rey ha sido ya objeto de análisis por parte del diario británico The Guardian en un artículo muy interesante.
Está claro que, al menos de momento, la campaña de marketing le funciona. Sus vídeos han superado el millón de visitas y ya ha colgado el cartel de "sold out" en sus primeros conciertos. Pero ahora su debut va a estar bajo la atenta mirada de toda la crítica y público. Pronto sabremos si todo se queda en una maniobra de marketing o si hay algo de auténtico en su música.
"Video Games" y "Blue Jeans" se publican como single el próximo 9 de octubre.



23 de septiembre de 2011

Oh Land estrena nueva canción, "Twist"

Desde el primer momento en que la escuché, caí en sus redes de manera inevitable. El debut de Oh Land se ha convertido en uno de mis discos preferidos de este año. Con una propuesta cercana a los planteamientos de gente como Bat for Lashes o Florence + the Machine y con un optimismo contagioso, las canciones de Oh Land son de las que dejan una sonrisa en la cara.
Ahora vuelve a ser noticia al estrenar una nueva canción. El motivo no es otro que la banda sonora de la película "Abduction", dirigida por John Singleton y protagonizada por Taylor Lautner, el hombre lobo de la saga "Crepúsculo". En esta banda sonora también estarán presentes Lenny Kravitz o Cobra Starship, entre otros.
La canción se llama "Twist" y ya puedes escucharla en Spotify aunque, paradójicamente, seguimos sin poder escuchar su disco en la susodicha plataforma musical.

22 de septiembre de 2011

Listas: It's the End of R.E.M. As We Know It

Como sincero homenaje a una banda que nos acaba de decir adiós (aunque ya sabemos que casi siempre es un hasta luego), os presento una selección muy subjetiva de 14 canciones de la historia del grupo. La historia de R.E.M. resumida en 60 minutos.

1. It's the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)

Uno de sus primeros hits, energético y optimista. Se ha hecho referencia a la canción en multitud de series y películas, pero mi preferida es su actuación en un episodio de Los Simpsons.



2. Stand

Aquí ya se intuían un poco las maneras de lo que sería "Shiny Happy People". Se hizo bastante popular al convertirse en la sintonía de la serie de culto "Búscate la Vida".



3. Losing My Religion

La más mítica. Cuantas veces no habremos escuchado esta canción por la radio, en nuestras salidas nocturnas o en nuestras grabaciones en cassettes. Michael Stipe perdiendo la fe y la mítica mandolina tocada por Peter Buck sonando de fondo. ¿Hay algún ser humano que no la haya escuchado al menos una vez en la vida?



4. Low


Menos es más. "Low", haciendo honor a su título, es una canción que no levanta la voz, pero en la que la intensidad se mantiene en todo momento. Valga como ejemplo ilustrativo la interpretación del grupo de esta canción en formato "unplugged".



5. Shiny Happy People

Fue uno de sus mayores éxitos, y el grupo acabó odiándola. Tanto fue así, que en un episodio de "Barrio Sésamo", los propios R.E.M. acaban riéndose de sí mismos y reinterpretándola bajo el nombre de "Furry Happy Monsters". Grandes.



6. Everybody Hurts

¿Cuántos no habremos dado nuestros primeros (y a veces últimos) aporreos a la guitarra tratando de imitar el mítico arpegio de esta canción? Es otro de los clásicos de la banda, del mítico disco "Automatic for the People" (1992).



7. Crush with Eyeliner

"Monster" (1994) supuso un giro radical en el estilo de R.E.M. de sus dos anteriores discos. Sin embargo, este cambio hacia el rock y la distorsión debutó en el número uno tanto en EEUU como en el Reino Unido. El videoclip fue dirigido por Spike Jonze, y presentaba a un grupo de japoneses haciendo el playback de la canción.



8. Leave

En mi honesta opinión, creo que "Leave" es una de las canciones más infravaloradas de R.E.M. "New Adventures in Hi-Fi" (1996) tenía el sello rockero del grupo y, al mismo tiempo, un marcado carácter de road movie al haber sido grabado aprovechando los lugares por los que habían estado de gira. Tomaron la idea de Radiohead, que habían hecho lo mismo con "The Bends" (1995) y fueron grabando las canciones en una grabadora de ocho pistas. Una canción que, paradójicamente, habla de dejarlo todo atrás, y tras este disco el batería Bill Berry dejó el grupo tras haber sufrido un colapso en el escenario un año antes a causa de un aneurisma cerebral.



9. E-Bow the Letter

Basada en una carta que Stipe había escrito a su amigo River Phoenix poco antes de morir éste, pero que nunca llegó a enviar, "E-Bow the Letter" era también el feliz encuentro de dos generaciones en la música rock. La de la mítica Patti Smith con los ya entonces grandes R.E.M.



10. At My Most Beautiful

"He encontrado la manera de hacerte sonreír..." Así es como arranca una de las canciones más bellas del grupo. Influenciado por los Beatles y los Beach Boys (de la época del disco "Pet Sounds"), Stipe firmaba aquí una de sus canciones más románticas.



11. I'll Take the Rain

Si "At My Most Beautiful" era una canción preciosa, "I'll Take the Rain" no tenía demasiado que envidiarle. Aún así, "Reveal" (2001) no recibió las mejores críticas de su carrera. Y eso que también contenía otra de sus joyas, "Imitation of Life".



12. Imitation of Life

Tomando el nombre de la película del mismo título de Douglas Sirk, "Imitación a la Vida", R.E.M. se marcaban otra canción mítica con un videoclip dirigido por Garth Jennings (responsable entre otros del "Nude" de Radiohead o el "Coffee & TV" de Blur) que presentaba una fiesta en una piscina en una grabación de tan sólo 20 segundos, pero que jugaba con cada detalle de la elaborada escena como si de un cuadro vivo se tratase.



13. Leaving New York

Stipe y los suyos nos dejaban otra declaración de amor a la ciudad más referenciada en la historia de la música, New York. Muchos quisieron verla, además, como una canción de amor a la ciudad tras el devastador 11-S (referencias a aviones no faltaban en su videoclip).



14. ÜBerlin

Haciendo referencia a Berlín y a su red de metro (parte de "Collapse Into Now" se grabó en la capital alemana), R.E.M. nos entregaban uno de sus últimos singles, en cuyo videoclip podemos ver a Aaron Johnson ("Kick Ass") usando la calle como pista de baile y gimnasio al ritmo de una extraña danza contemporánea.



Escucha esta lista en Spotify.

R.E.M. se separan

Es, sin lugar a dudas, la noticia musical del día. Ayer, la banda liderada por Michael Stipe anunciaba a través de su web su separación definitiva e irrevocable. Bajo el título de "Call It a Day", que es una expresión que significa algo así como "dejémoslo ahora", el grupo ha expuesto las razones de su separación.
En palabras de Mike Mills, su bajista, es algo que ya venían meditando desde su última gira y tras la grabación de su último disco, "Collapse Into Now", publicado este mismo año. Se preguntaban que iba a ser lo siguiente y se dieron cuenta de que era el momento adecuado para dar por finalizada la carrera de R.E.M. Mills aclara también que siempre han sido amigos y se han respetado, y por lo tanto la ruptura no se debe a ningún deterioro de las relaciones en el seno del grupo.
Michael Stipe, por su parte, ha resumido perfectamente en una frase el porqué de esta separación: "La habilidad de ir a una fiesta es saber cuando debes irte".
Todos los miembros coinciden en agradecer el apoyo de los fans en estos 31 años de carrera y tras 15 discos de estudio.
No son pocos los que han criticado que lo dejen precisamente ahora, en un buen momento, y sin haber comenzado la típica degeneración musical o personal del grupo. Pero lo cierto es que coincido con Stipe. R.E.M. se acaban de ir de la fiesta casi sin apenas hacer ruido y antes de que el alcohol hiciese estragos en los asistentes. Llamadlo como queráis, pero eso es clase.



20 de septiembre de 2011

Kemopetrol presentan nuevo disco, "A Song & A Reason"

En el terreno musical, Finlandia es conocida por exportar grupos de metal y rock gótico. Así, tenemos a bandas como H.I.M., Apocalyptica, Nigthwish y un largo etcétera para el que necesitaríamos tener aquí un experto metalero (y un servidor no lo es). Pero también hay otras músicas posibles en Finlandia. A los finlandeses Kemopetrol les conocimos en el año 2000 gracias a su debut "Slowed Down", y en especial a la canción "Child Is My Name", que en su momento pudimos oír gracias a que Radio 3 nos descubrió a este gran grupo. Desde entonces ha pasado una década ya, y aunque aquí siguen siendo práctimente unos desconocidos, la banda ha seguido publicando discos desde Finlandia. Nada menos que 4 álbumes ya (el último de ellos "Teleport", en el 2006) y un disco en solitario y cantado en finlandés de su vocalista, Laura Närhi, titulado "Suuri Sydän" y publicado en 2010.
Ahora, cinco años después de su último trabajo, los finladeses vuelven con "A Song & A Reason", que se publica mañana en Finlandia, y que aquí podremos escuchar a través de iTunes o Spotify, aunque no sé si hay planes de que se edite físicamente en España.

Por el momento, ya podemos escuchar el single de adelanto, "Changing Lanes", que sigue mostrando la buena forma del grupo, sin miedo a mezclar pop, rock y música electrónica. Ojalá caiga algún concierto por España o Portugal.

19 de septiembre de 2011

L.A. graban su nuevo disco en L.A.

Puede parecer un juego de palabras, pero no por ello deja de ser cierto. La banda mallorquina L.A., liderada por Lluis Albert Segura, se encuentra en Los Ángeles (EEUU) grabando el que será la continuación del grandioso "Heavenly Hell", uno de los mejores discos de 2009. Tras telonear a Arcade Fire en su concierto en el Guggenheim de Bilbao y participar en el macrofestival Super Bock Super Rock en Lisboa, L.A. han vuelto a meterse en el estudio para dar forma a las nuevas canciones que formarán su próximo disco.
L.A. están estos días grabando su nuevo trabajo en los estudios de grabación Fairfax Recordings y se espera que el disco salga a la luz en 2012.

New Album Recording Sessions Clip 1 from Luis A. Segura on Vimeo.



New Album Recording Sessions Clip 2 from Luis A. Segura on Vimeo.

15 de septiembre de 2011

Mixtape: No Te Echaré de Menos en Septiembre

Como decía el personaje de Rob en "Alta Fidelidad", no es fácil hacer una cinta recopilatoria. Tienes que tratar de empezar fuerte, pero considerando que el nivel tiene que ir aumentando progresivamente hasta llegar a una especie de clímax final antes de que todo termine de golpe. Una de mis vocaciones frustradas, la de pinchadiscos (no dj, conste, que a menudo no se distingue), ha encontrado a través de este blog (y del Virtual DJ, jejeje) el canal adecuado para ser canalizada. No son los mejores temas del verano (muchos ni siquiera son de este año) y hay muchas patadas probablemente en la forma de encade pero espero que los disfrutéis cuando y donde queráis.


Florence and the Machine vuelve por todo lo alto

Para muchos de nosotros el debut de Florence + the Machine, "Lungs" (2009), fue el mejor disco del 2009 que descubrimos en 2010. Y lo digo así porque pese a que el álbum se publicara en 2009, fue el año pasado el que cubrió de gloria el trabajo de Florence Welch con multitud de premios y también de ventas en todo el mundo (ya en el momento de su publicación sólo fue superado en el Reino Unido por un recopilatorio de Michael Jackson durante 5 semanas consecutivas, y porque el "Rey del Pop" había fallecido recientemente).
No es de extrañar, por tanto, que su segundo trabajo sea uno de los más esperados del año. Tras escuchar "What the Water Gave Me", primer adelanto del álbum, a algunos quizás les extrañase que no siguiese la estela de su mayor
hit, "Dog Days Are Over". Sin embargo, "What the Water Gave Me" seguía una evolución lógica que venía de "Heavy In Your Arms", tema inédito que compuso para la banda sonora de la más reciente entrega de la saga Crepúsculo, "Eclipse". En ambos casos la tónica dominante es el componente mágico y onírico de la música de Florence and the Machine, hipnótico incluso, que sigue llevando su sello personal. Ahora acabamos de conocer "Shake It Out" y los fans del hit coreable y de las canciones que te hacen sentir bien cuando te levantas por las mañanas podemos ya respirar tranquilos. Aquí las percusiones y los coros toman todo el protagonismo en el que promete convertirse en uno de los momentos clave de sus conciertos.
El álbum llevará por título
"Ceremonials" y saldrá a la venta el próximo 31 de octubre. La espera ya se nos está haciendo larga...



9 de septiembre de 2011

Fanfarlo estrena nueva canción, "Replicate"

Los británicos Fanfarlo, que se ganaron el corazón de muchos de nosotros con su precioso debut, "Reservoir" (2009), vuelven con nuevo y esperado disco. Todavía no han confirmado ni su título ni la fecha de salida, aunque todo parece indicar que será antes de que acabe el año.
De momento, lo único que conocemos es "Replicate", la primera canción que sale a la luz del disco y que va acompañada de un videoclip con reminiscencias de la fotografía de Man Ray y el surrealismo. En cuanto a su sonido, sigue recordando a Fanfarlo, aunque también recuerda a gente como Owen Pallett.
Asimismo, la banda ha anunciado ya una serie de conciertos entre los que se incluyen cinco fechas en España:

- 13 noviembre: Tenerife (Auditorio)
- 15 noviembre: Madrid (Heineken Music Selector)
- 16 noviembre: Barcelona (Bikini)
- 18 noviembre: Toledo (Círculo de Arte) (Heineken Music Selector)
- 19 noviembre: Cádiz (Sala Imagina) (Heineken Music Selector)

Podéis descargaros el tema "Replicate" suscribiéndoos a la lista de correo en la web del grupo.

6 de septiembre de 2011

Patrick Wolf actuará en Vigo el próximo mes de octubre

La promotora Sweetnocturna, una de las más potentes del panorama gallego, acaba de anunciar los fichajes de este año del ciclo Xacobeo Importa (que parece que pasará a llamarse Galicia Importa de ahora en adelante). Entre ellos destaca la actuación de Patrick Wolf en la sala Mondo de Vigo el próximo 13 de octubre. El artista vendrá a presentar "Lupercalia" (2011) y el concierto formará parte de su Lupercalia Tour, que arranca en Hollywood el 13 de septiembre y que le mantendrá ocupado el resto del año.
Tampoco podemos olvidarnos de otros músicos que nos traerá este ciclo, como Bonnie "Prince" Billy, que actuará el 22 de octubre en ExpoCoruña, o Adam Cohen (hijo de Leonard), que lo hará el 27 de octubre en la sala Capitol (Santiago de Compostela).
Las entradas saldrán a la venta a finales de semana a través de servinova, Discos Elepé (Vigo), Discos Gong (Santiago) y Discos Portobello (Coruña).

5 de septiembre de 2011

Google rinde homenaje a Freddie Mercury en el aniversario de su nacimiento

Tal día como hoy, en Zanzíbar (África del Este) nacía Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury. De seguir vivo, este lunes hubiese cumplido 65 años.
Google han sido los primeros en querer rendir homenaje al líder de Queen en el aniversario de su nacimiento, con una animación al ritmo de "Don't Stop Me Now" que podremos ver durante todo el día en la portada del archiconocido motor de búsqueda. Este bonito homenaje recorre muchas de las etapas del cantante al frente de Queen e incluso en solitario, con referencias a videojuegos ochenteros y a la letra de la canción.
No es la primera vez que Google nos regala una efeméride de este tipo, y sin duda han mostrado buen gusto y detalle en casi todas ellas, pero quizás esta es de las que más nos han llamado la atención.
En 2011, además, se cumplirán 20 años del fallecimiento del mítico cantante el próximo 24 de noviembre, por lo que puede que los homenajes no hayan hecho más que empezar.
Larga vida a la Reina.

1 de septiembre de 2011

Dolorock 2011, 27-08-11

En las nueve ediciones que lleva celebrándose, el Dolorock se ha mantenido firme y se ha convertido en festival de referencia en Galicia (si consideramos al Festival do Norte como el festival que abre la temporada, podríamos considerar al Dolorock como el festival que pone el cierre). Y lo ha hecho en parte gracias a que ha sido consciente de su lugar y de sus capacidades, sacándoles el máximo partido pero sin querer abarcar más de lo que podría. Una gran parte de la escena musical nacional ha pasado por su escenario, desde Love of Lesbian a Supersubmarina pasando por Lagartija Nick, Vetusta Morla o grupos portugueses como The Gift o x-Wife. Respecto a anteriores ediciones, esta presentaba un importante cambio. Al igual que el Cultura Quente, el Dolorock pasaba a convertirse en festival de pago. Una entrada módica, eso sí, de 5 euros en anticipada y 9 en taquilla, pero que sí podría haber supuesto un descenso de público. Sin embargo, eso no ocurrió, ya que la asistencia fue igual de buena que en ediciones anteriores.

No llegué a tiempo de ver el directo de los vigueses Maryland. A esa hora, las 22:30 aproximadamente, ya se subían al escenario Idealipsticks. Procedentes de Guadalajara (la de España, no la de México), traían bajo el brazo nuevo disco, "Sins & Songs" (2010). Sus canciones rockeras y su actitud punk fueron calentando el ambiente del festival. Su música no presenta ninguna novedad, pero supieron dar un concierto entretenido en mayor o menor medida.

Fuel Fandango eran, al menos para mí, uno de los conciertos más esperados del festival. Con sólo un disco en su haber, "Fuel Fandango" (2011), este dúo (en directo son tres, con Carlos Sosa a la batería) ha ido ganando adeptos concierto tras concierto. Y es que es raro encontrarse una propuesta tan original (difícil etiquetar su música, a veces rockera, a veces pop, electrónica o flamenco) y tan cuidada (su imagen, su puesta en escena, su sonido) dentro del panorama español.

Su cantante, la cordobesa Nita, salió al escenario escondiendo su cara tras su abanico (abanicos y flores son parte imprescindible de su puesta en escena) y pronto se ganó al público con su simpatía y desparpajo. Sus canciones nos hicieron bailar y disfrutar, con especial mención para "Shiny Soul", probablemente su single más conocido, que hizo botar a todo el público. El genial manejo de los abanicos de Nita (que tiemblen Locomía), sus dotes vocales que tanto se pasan al soul como al rock o al flamenco, o la música de sus compañeros Ale Costa (productor y creador del sonido de Fuel Fandango) y Carlos Sosa son sólo algunas de las muchas virtudes de Fuel Fandango. Dieron un concierto memorable y seguirán dando que hablar, cada vez más.

Los granadinos Lori Meyers repetían en el festival tras actuar en la edición de 2007. Para empezar escogieron un tema de su último álbum "Cuando el Destino Nos Alcance" (2010), "Nuevos Tiempos". A partir de ahí se marcaron un buen set que abarcó toda la carrera del grupo, desde "Viaje de Estudios" (2004) al anteriormente mencionado "Cuando el Destino..." (2010). Así, podían pasar de "Condicional Hipotética" a "Luciérnagas y Mariposas" sin olvidarse de "Mujer Esponja". Sin duda fue un repertorio ideal para todos los que les seguimos desde hace tiempo y no sólo en sus últimos discos. Sigue siendo una gozada escuchar "Tokio Ya No Nos Quiere", "Dilema" o "Sus Nuevos Zapatos" en directo, aunque a su lado palidezcan algunos de sus nuevos temas, como "Explícame" o "Corazón Elocuente". Uno de los momentos a destacar en su directo llegaba con "Luces de Neón", coreada y bailada por todos los presentes, de "Cronolánea" (2008), el disco que les hizo llegar a un mayor público.

El bis llegó con una petición del batería de la banda para incitar al público a cantar "Eu Traio Unha Borracheira", el célebre tema enxébre popularizado por A Roda y entonada como oda al alcoholismo en toda romería gallega. ¿Qué necesidad había? Pues ninguna, pero a veces a algunos grupos les da por tirar de rollo populista y pasan estas cosas. Corramos un tupido velo.
El tramo final del concierto estuvo marcado por las canciones de su último disco. Sonaron "Religión", "¿A-HA Han Vuelto?" y "Mi Realidad" antes de la última canción. La elegida para cerrar, como era de esperar, fue "Alta Fidelidad". Su cantante, Noni, ofrecía el micrófono al público para que cantasen la canción y su conocido estribillo ...todo esto es culpa de la gente... mientras todos bailaban y saltaban sin parar.
De los mejores conciertos que les recuerdo a Lori Meyers, la verdad, y una buena forma de hacer repaso a su carrera.

Otros han caído por el camino y, sin embargo, ahí sigue el Dolorock. En el campo de la fiesta, con acampada gratuita y con ganas de hacer que nos lo pasemos bien. Y lo siguen consiguiendo.